Bislang hatten seine Dokumentationen immer einen sachlich-fachlichen Hintergrund. Mit Geheimnisse des 3. Reichs liegt nun eine 270 Minuten lange Dokumentationsreihe vor, die auf den ersten Blick ein wenig boulevardesk und sensationsheischend daherkommt:

“Heinrich Himmlers Jahrhundert-Vorfahre wurde als Hexe verbrannt. Adolf Hitler glaubte, dass er selbst Jude ist. Erwin Rommel verlies die Mutter seines unehelichen Kindes. Albert Speer war ein pathologischer Lügner – es rettete im sein Leben. Der Führer gab vor, arm zu sein, häufte jedoch ein riesiges Privatvermögen an. Hitler faszinierte Frauen und war fasziniert von ihnen, vor allem von den jungen und verletzlichen. Alle diese mit Fakten belegten Enthüllungen werfen ein neues Licht auf das Wesen des Nazi-Regimes…”

So die Beschreibung auf dem Cover. Doch so boulevardesk sind die Ausarbeitungen zu den deutschen Protagonisten des zweiten Weltkrieges am Ende nicht. Auf zwei DVDs gibt es in Geheimnisse des 3. Reichs sechs Dokumentationen mit jeweils 45 Minuten Dauer zu sehen. Die erste Silberscheibe beschäftigt sich mit den Themen Hitlers Familie, Hitler und das Geld sowie Himmlers Macht, während die zweite DVD von Rommel – Mythos und Wahrheit, Hitler und die Frauen und Speers Täuschung handelt.

Die Fernseh-Dokumentation im ZDF basiert auf Guido Knopps gleichnamigem Buch Geheimnisse des “Dritten Reichs” und zeigt das oberste Führungspersonal des Dritten Reiches aus einem ganz neuen, bis dato ganz unbekannten Blickwinkel.

Egal ob es um die Familie Adolf Hitlers geht, den pathologischen Lügner Albert Speer, Heinrich Himmlers Ahnen oder das wenig ehrenhafte Verhalten von Erwin Rommels – alle Sachverhalte werden im bekannten Knopp-Stil aufgearbeitet und analysiert.

Am Ende der gut inszenierten und sauber recherchierten Themenstränge bleibt allerdings die Erkenntnis, dass Guido Knopp nicht wirklich Neues berichten konnte.

Mit Second Screen, also dem zweiten Bildschirm, ist die Benutzung von Smartphone und Tablet während des Fernseh Guckens gemeint. Während auf der Mattscheibe der neueste Tatort oder das neue Unterschichten-Format läuft, tauscht sich die Social Media-Gemeinde auf Twitter und Facebook über die Schauspieler, die Handlung oder andere Inhalte im TV aus.

APP – Der erste Second Screen Film nutzt die Second Screen Funktionalität in Verbindung mit einer eigens entwickelten App. Diese App gibt es sowohl im Apple Store als auch im Google Play Store zum kostenlosen Download. Übrigens steht die App auch noch nach der Erstausstrahlung im ZDF im Mai 2014 weiterhin zum Download zur Verfügung, um das zweifache Filmvergnügen auch auf Blu-ray und DVD zu erleben.

Zu Beginn wird der Zuschauer aufgefordert, das Smartphone oder Tablet zur Hand zu nehmen und diese App zu starten. Mehr möchte ich an dieser Stelle aber nicht zur App verraten, um die Interaktivität während des Films nicht preis zu geben.

Die Handlung von APP – Der erste Second Screen Film

Für die beiden Freundinnen Anna und Sophie gehört das Smartphone zum Leben einfach dazu. Nach einer durchzechten Partynacht entdeckt die Studentin Anna die App IRIS auf ihrem Smartphone. Das Programm hat sich selbständig installiert und stellt sich als persönliche Assistentin vor (die Ähnlichkeit zu Apples Siri ist sicherlich alles andere als ungewollt).

Ungefragt meldet sich IRIS auch während der Vorlesungen an der Uni zu Wort und entpuppt sich als Störenfried. “Je mehr Kommunikationsmitteln den Menschen zur Verfügung stehen, umso weniger kommunizieren sie”, gibt ihr Professor Anna mit auf den Weg, nachdem er während der Vorlesung das störende Telefon unter Verschluss genommen hat.

Plötzlich erhält Anna zusätzlich dubiose Anrufe von vermeintlichen Opfern und die App entwickelt ein kriminelles Eigenleben, indem sie nicht nur Anna in intimen Situationen filmt und dies der Öffentlichkeit kom­pro­mit­tie­rend preisgibt.

Annas verzweifelte Versuche, die App zu löschen, schlagen mehrfach fehl. Auch andere Menschen werden zu in der Folge IRIS’ Opfer und bezahlen mit ihrem Leben.

Nach kurzweiligen und teilweise nervenaufreibenden 75 Minuten ist das Filmerlebnis mit dem zweiten Bildschirm schon beendet. Auch wenn die Handlung bisweilen ein wenig konstruiert daherkommt, weiß APP – Der erste Second Screen Film zu fesseln.

Natürlich ist die Story einer im wahrsten Sinne des Wortes “Killer-App” ein wenig an den Haaren herbeigezogen. Doch der Spannung tut das keinen Abbruch. Das gilt übrigens auch für die Auflösung des Rätsels um die mysteriöse App in einem dramatischen Finale.

Die Extras auf der Blu-ray APP – Der erste Second Screen Film

Das Bonusmaterial auf der blauen Scheibe ist eher mager ausgefallen. Als Extras gibt es nur Einblicke in die Videoeffekte und eine Trailershow zu sehen.

Allerdings fallen die Blicke hinter die Kulisse mit weniger als zweieinhalb Minuten Länge eher kurz aus und sind eigentlich nicht der Rede wert. Also bitte die Erwartungen entsprechend herunterschrauben.

Der Trailer zu APP – Der erste Second Screen Film

Sein Studium hat er abgebrochen und lebt einfach so vor sich hin. Ziellos. Als weder seine Freundin noch sein Vater weiter Bock auf ihn haben, ändert sich sein Leben. Ohne Geld – der Vater hatte ihn bisher alimentiert – und Frau an seiner Seite driftet er weiter ab, ehe er Julika, eine blonde Schönheit trifft.

Julika war zu Schulzeiten alles andere als schön und damals Zielscheibe fieser Hänseleien von Niko und seinen Kumpels. Aus dem hässlichen Entlein wurde ein schöner Schwan, der den Dunkelhaarigen nicht nur in optischer Hinsicht betört. Soweit der Plot zu Oh Boy.

In der Videothek (heißt der Laden, in dem Blu-rays ausgeliehen werden, eigentlich noch so?) oder beim Stöbern durch die Amazon-Bestseller-Listen hätte ich wahrscheinlich nicht bei dem Werk vonJan Ole Gerster zugegriffen.

Weil der Film allerdings derzeit auf Sky Cinema HD läuft, ließ ich mich auf das schwarz-weiße Abenteuer ein. Zu Beginn wollte ich den Film schon direkt wieder wegzappen, weil mich die düstere und melancholische Stimmung, die den Streifen ohnehin trägt, durch die fehlende Farbe noch weiter verstärkt wird.

Bekanntlich gilt schwarz-weiß im Film als Stilmittel und je länger ich mich auf den Film eingelassen habe, desto mehr Spaß hatte ich und desto mehr Tiefgang gab es zu entdecken. Und spätestens als die von mir verehrte vergötterte Friederike Kempter ihren Auftritt hatte, war es um mich geschehen: ich musste der Handlung bis zum Ende folgen.

Der Humor der Protagonisten kommt nicht mit dem Holzhammer daher, sondern ist eher feinsinniger Art. Die Dialoge sind teilweise lang, gelegentlich zu lang, aber durchweg durchdacht und gut gespielt.

Wenn ich den Vortrag von Julia Engelmann schon gekannt hätte, als ich Oh Boy geschaut habe, wäre Niko genau die Person gewesen, die vor meinem geistigen Auge aufgetaucht wäre, von der die Poetry-Slammerin erzählt hat.

Ich habe es nicht bereut, Oh Boy vom Anfang bis zum Ende anzuschauen – im Gegenteil. Auch wenn das Ende offen gestaltet ist – was meine Liebste doof fand -, war das für mich die einzige logische Konsequenz nach knapp eineinhalb Stunden vor dem Fernseher.

Trailer zu Oh Boy

Der folgende Trailer vermittelt einen ersten Eindruck zum Film:

Ungewollt von Marion (Nadja Becker) zur Hilfe gerufen, erscheint der sympathische Held aus dem Sherwood Forest in Robin Hood und ich plötzlich in der Berliner Wohnung der zweifachen Mutter, die im Scheidungskrieg mit ihrem fiesen Ex-Mann und Rechtsanwalt Felix André Röhner (André Röhner) steckt.

Nachdem sich die Familie von dem ersten Schrecken der ungewöhnlichen Begegnung erholt und sich der Mann von der Insel ein wenig an das Großstadtleben gewöhnt hat, kümmert er sich um das Schicksal der Alleinerziehenden.

Denn zu allem Übel befindet sich die junge Frau nicht nur im Trennungs-Streit, sondern verliert auch noch ihren Job als Näherin, als die Firma unerwartet Insolvenz anmelden muss. Als Insolvenzverwalter wird ausgerechnet ihr Ex-Mann nominiert und das Unheil nimmt seinen Lauf.

Doch Robin Hood, gespielt von Pasquale Aleardi, lässt so viel Ungerechtigkeit nicht zu und erweist sich auch in der Neuzeit als Rächer der Armen und in Not geratenen Menschen.

Gemeinsam mit seinen drei Kumpanen Bruder Tuck, Little John und Stuteley versuchen die vier Zeitreisenden, Marion, Sohn Lukas (Finn Fiebig) und Tochter Nina (Hanna Binke) nach allen Kräften zu helfen und neben dem Job auch noch das abhanden gekommene Sorgerecht zurück an die Mutter zu bringen.

Robin Hood & ich ist ein Film für’s Herz mit viel Humor, der das Herz berührt und einfach nur schön und mit viel Spaß anzuschauen ist. Die Schauspieler kommen nicht nur sympathisch rüber, sondern füllen ihre Rollen perfekt aus.

Auch wenn das Thema “Mensch macht eine Zeitreise und muss sich in der neuen Welt mit der neuen Technik im neuen Alltag zurechtfinden” mehrfach verfilmt worden ist, sind bei Robin Hood und ich viele neue Ideen mit dabei.

Wir haben den Film an einem Adventssonntag mit der ganzen Familie geschaut und selbst der zehnjährige Sohn war von der Handlung begeistert – mit Ausnahme der wenigen Liebesszenen, die er nicht so prickelnd fand. Mal schauen, wie er das in ein paar Jahren sieht 🙂

Passend zur Vorweihnachtszeit hat Ascot Elite Home Entertainment den Klassiker als Animationsfilm adaptiert und nur geringfügig von der Handlung angepasst.

Wie in der berühmten Vorlage dreht sich das Geschehen in Die Schneekönigin um die Geschwister Gerda und Kay, die schon als kleine Kinder ihre Eltern an die böse Königin verloren haben. Der 76 Minuten lange Film begleitet die Kinder auf ihrem Abenteuer bis zum furiosen Finale.

Wie von anderen Animationsstreifen gewohnt, gibt es auch bei Die Schneekönigin den genauso tolpatischen wie liebenswerten Sidekick.

In diesem Fall ist es der Troll Orm, der ursprünglich der Scherge der bösen Schneekönigin gewesen ist, sich aber im Verlauf mit den Kids anfreundet und als hilfreicher Adjutant zur Seite steht.

Die Schneekönigin ist ein kurzweiliges Trickfilm-Abenteuer, das uns den Nachmittag am zweiten Advent kurzweilig versüßt hat.

Die Geschichte mit den liebenswerten Charakteren berührt die Herzen und die Protagonisten erinnern in ihren Wesenszügen an bekannte Klassiker aus dem Hause Disney.

Der Film ist für Kinder ab sechs Jahren geeignet und hat von der Deutsche Film- und Medienbewertung das Prädikat “Besonders Wertvoll” verliehen bekommen.

Übrigens: Sicherlich ist es nicht nur reiner Zufall, dass Die Schneekönigin fast zeitlich mit dem Kino-Start des diesjährigen Weihnachtsfilms von Disney Die Eiskönigin – Völlig Unverfroren auf den Markt gekommen ist.

Trailer Die Schneekönigin

Mit dieser Attitüde im Hinterkopf war ich recht skeptisch, als ich Django Unchained in den Blu ray-Player eingelegt habe. Doch der Oscar-prämierte Streifen hatte mich neugierig gemacht. Die Story klang interessant und Filme mit Christoph Waltz sind nie ein Malus – ganz im Gegenteil.

Wer den Film bislang nicht kennt – ja, das soll es geben- erhält ein kurzes Update: es geht in dem Film um Django (Jamie Foxx), einen Sklaven, dessen brutale Vergangenheit mit seinen Vorbesitzern dazu führt, dass er dem deutschstämmigen Kopfgeldjäger Dr. King Schultz ( Christoph Waltz) Auge in Auge gegenübersteht. Schultz verfolgt gerade die Spur der mordenden Brittle-Brüder und nur Django kann ihn ans Ziel führen.

Mehr möchte ich jetzt nicht zum Inhalt  verraten. Nur soviel: Nach 165 Minuten blieb ich mit offenem Mund vor dem Fernseher sitzen. Ich war begeistert von den zweidreiviertel Stunden bester Unterhaltung, die in einem furiosen Finale geendet ist.

Zur Mitte hin (Stichwort: Dinner auf der Candyland-Ranch) hat der Film zwar ein paar Längen, aber auch diese Szene wird von Christoph Waltz getragen. Auch die Handschrift von Quentin Tarantino macht Django Unchained zu einem Meisterwerk.

Allerdings ist der Film nichts für Zartbesaitete: auseinanderberstende Köpfe, blutspritzende Schusswechsel und brutale Todesursachen sind ein Markenzeichnen des Regisseurs und kommen auch in diesem Streifen nicht selten zum Einsatz.

Doch Tarantino wäre nicht Tarantino, wenn diese Szenen neben aller Brutalität und Explizität nicht auch mit einer ganz besonderen und gegensätzlichen Ästhetik in Szene gesetzt worden sind. Insbesondere wenn Reiter vom Pferd geschossen werden und das rote Blut auf unschuldig-weiße Blüten spritzt, hat der Regisseur seinen Blick für die Details zum Besten gegeben.

Wunderbarer Soundtrack

Genauso brillant wie der Film ist der Soundtrack zu Django Unchained. So vielseitig wie der Film ist, ist auch die Musik zum Oscar-prämierten Western.

Jeder Track passt hervorragend zu den Szenen und untermalt das Geschehen meisterlich. Schon der einleitende Song Django entpuppt sich als Ohrwurm und ging mir seit dem ersten Anschauen des Films tagelang nicht mehr aus dem Kopf.

Achtung, Spoiler!

Zum Abschluss noch eine spoilernde Anmerkung zum Finale von Django Unchained.

Bei allem Lob zu dem Film: das Ende hat mich ein wenig traurig zurückgelassen. Wieso ausgerechnet Dr. King Schultz das Zeitliche segnen musste, wird nur Quentin Tarantino wissen 🙁

Doch es bleibt nicht nur bei dem technischen Defekt des Aufzugs, der den Firmengründer, seine Tochter,  einige seiner Angestellte sowie Gäste aus der Fassung bringt. Eine Bombe ist außerdem mit im Spiel und verstärkt die psychische Belastung der Protagonisten.

Während der 84 Minuten des Filmes spielt sich das Geschehen überwiegend in der Enge der Fahrstuhlkabine ab. Regisseur Stig Svendsen gelingt es, jeden der neun Charaktere seine ganz persönliche Art, mit der belastenden Situation umzugehen, zu entwickeln und auf engstem Raum auszuleben.

Wer zu Beginn noch als psychologisch robust galt, wird im Laufe des Films sein anderes Gesicht zeigen. Und was ist eigentlich mit dem ständig plappernden Comedian, der kein Blatt vor den Mund nimmt? Und welche Rolle spielt der smarte Investment-Banker? Die Auflösung gibt es erst nach knapp eineinhalb Stunden Thriller, der weniger Action und Horror als Charakterstudie ist.

Mein Fazit

Ich weiß nicht, ob es an meiner Intuition liegt, aber ich wusste schon zu Beginn, wer der Täter in dem atmosphärisch dichtem Film von Ascot Elite Home Entertainment ist. Und auch die Verbandelung diverser Charaktere miteinander waren mir bereits nach einiger Zeit klar.

Doch trotz dieser vorhersehbaren Abhängigkeiten habe ich mich von Elevator gut unterhalten lassen. Das ist zum einen den gut spielenden Darstellern geschuldet und zum anderen dem rasanten Ende zu verdanken, das einige unnötige Längen des Streifens leicht vergessen lässt.

Positiv fällt zusätzlich ins Gewicht, dass es außer der auf dem Cover zu sehenden blutigen Szene verhältnismäßig wenig bis gar kein menschliches Blut fließt – eine Wohltat im Vergleich zu vielen Gemetzel-Streifen aus diesem Genre.

Trailer zu Elevator

Seit 21. März 2013 hat die knuffige Steinzeit-Familie um Anführer und Vater Grug die Kinos im Sturm erobert und auch wir haben es uns nicht nehmen lassen, den Streifen während unseres Oster-Urlaubs in Thüringen im CineStar Jena anzuschauen.

Die Anfangsszene ist ein wenig überdreht und erinnert an US-amerikanisches Football. Die Croods werden bei der Nahrungssuche und den Kampf um ein Vogel-Ei gezeigt. Vom Baby bis zur klapprigen Oma ist die sechsköpfige Sippe am Start und will dem Federvieh die ovale Leibspeise abluchsen.

Doch danach wird es zwar weniger abgedreht, aber nicht minder animationstechnisch spektakulär. Denn nach einem Erdbeben ist die Höhle der Croods zerstört und Oberhaupt Grug muss seine Familie zu neuen Ufern führen und das bisherige Leben zurücklassen.

Dabei avancieren die eigensinnige und unangepasste Crood-Tochter Eep und die neue Bekanntschaft Guy zu Protagonisten des Neuen und zeigen, dass Angst und übervorsichtiges Agieren schlechte Ratgeber bei ganz neuen Herausforderungen sind.

Mein Fazit

Meine Frau war am Anfang äußerst skeptisch, was den Film angeht und ließ sich nur mit viel Nachdruck von den Kids und mir vom Kinobesuch überzeugen. Am Ende war Anne aber mehr als begeistert von Die Croods und hatte genauso viel Spaß wie unsere beiden Söhne.

Der Film aus den DreamWorks – Studios ist für Erwachsene nicht nur ein großer Spaß, sondern bietet auch viel Raum für Diskussionen und Gespräche nach dem Film. Dabei geht es nicht nur um den Umgang mit Veränderungen: stelle ich mich den geänderten Lebensumständen oder verharre ich in einer Schockstarre? Verschließe ich mich Veränderungen oder bin ich bereit, die Herausforderungen anzunehmen?

Und es gibt noch viel mehr Themen, die Stoff für Gespräche bieten. Diese Themen drehen sich um Väter, die lernen müssen, loszulassen und die Kinder ziehen zu lassen. Sie handeln von der vorurteilsfreien Aufnahme neuer Familienmitglieder in den “inneren Kreis” und vieles, vieles mehr.

Der Film ist somit nicht nur ein kurzweiliger Trickfilm-Spaß zum Konsumieren und Spaß haben, sondern bietet – für den, der sich darauf einlässt – jede Menge Tiefgründiges.

Die Croods – Der Trailer